FOG Fair Report : (2) Lee ShinJa

.... This is the second part of the FOG Fair Report series. Read (1) Young-Il Ahn, A Song of Light Laid on Water

 

(2) Lee ShinJa, A Song of the Spirit of Sun

 

At a moment when interest in fiber art is growing steadily around the world, Lee ShinJa has emerged almost like a dark horse — and it would be no exaggeration to say so. Born in 1930, she turns 96 this year. What makes that most astonishing is that the practice now receiving its due has been unfolding quietly since the 1950s.

 

Lee ShinJa, Dawn, 1986, Wool, synthetic thread; tapestry, 42 7/8 x 44 1/8 in (109 x 112 cm), Courtesy of the artist and Tina Kim Gallery. Photo by Emma Baker.

 

Lee ShinJa is a first-generation Korean textile artist. After graduating from the department of applied arts at Seoul National University in 1955 and going on to study fabric design at Hongik University in Korea, she never once let go of her vision for fiber art.

 

Lee ShinJa, Conversation between Circles IV, 1973, Cotton, linen thread; tapestry. Left panel dimensions: 68 1/2 x 21 inches (175 x 55 cm), Right panel dimensions: 70 x 22 1/2 inches (177 x 57 cm). Courtesy of the artist, MMCA Korea, and Tina Kim Gallery. Photo by Unreal Studio.

 

At a time in the early 1970s when no one recognized tapestry as an art form at all, she independently pioneered the technique and brought its artistic possibilities to the world's attention. She began making work as early as the 1950s, using materials salvaged from flour sacks, mosquito netting, and secondhand clothing. After introducing her tapestry Wall Hanging (1971) at the 1972 National Art Exhibition, she spent decades contributing to the development of fiber art in Korea as an educator as well.

Lee ShinJa, Spirit of Mountain, 1990s–2000s, Wool thread; tapestry, 34 5/8 x 44 1/4 in (88 x 112.3 cm, Framed: 102 x 127 cm). Courtesy of the artist and Tina Kim Gallery. Photo by Hyunjung Rhee.

 

Her primary inspiration came from nature and from memories of it in her hometown of Uljin, on Korea's eastern coast where the sun first rises. Among the experiences most vividly imprinted on her memory is the sunrise over the sea at Uljin, witnessed as a child while holding her father's hand.

What makes her work so distinctive is the spirit of freedom and boldness within the traditionally constrained frame of tapestry — accepting and treating it, in a sense, like a canvas. The rhythmic energy of Korean mountains and the natural world is expressed through modern shapes and compositions, and chromatic color contrast. As someone once put it, her work is "a painting made with thread." The reason her work feels so timeless is the spirit within it.

 

Lee ShinJa, Spirit of Mountain, 2000, Signed on face, Wool thread, metal; tapestry, 22 1/4 x 35 3/8 in (56.5 x 90 cm, Framed: 24 3/8 x 38 5/8 x 1 3/4 in). Courtesy of the artist and Tina Kim Gallery. Photo by Hyunjung Rhee.

Her work is compared to that of Sheila Hicks — a pioneer of the same generation working in the same field. But where Lee ShinJa drew out a delicate painterly sensibility from textile, using the grandeur and beauty of the natural world as her motive, Hicks placed her own experimental spirit at the center, exploring the sculptural possibilities of textile — the distinct difference between Eastern and Western approaches in a traditional sense.

Lee ShinJa also embraced limitation as a possibility; a loom. If the vertical warp threads of traditional weaving represent a given condition, then the horizontal weft Lee ShinJa weaves through them is her own story. From small-format works capturing the intimacy of hand-printed prints, to her monumental Han River — over 62 feet wide, completed over more than three years.

 

Installation view of Tina Kim Gallery | Booth 210 at FOG Design+Art, 2026. Courtesy ofTina Kim Gallery. Photos by Glen Cheriton.

 

Given that weaving demands a precise plan from the very beginning, the audacity of her vision and her willingness to experiment within that constraint become all the more remarkable. And that vision, meeting the warmth and tenderness inherent in textile, gives the viewer not only warmth, but her spirit as well.

"Fiber art has a uniqueness that painting doesn't — it comes from the material itself. It's warm. People ask me why I work with fiber. And I just think: it's cozy, and I love it." — Lee ShinJa

 

Installation view of Lee ShinJa: Drawing with Thread (August 6, 2025 - February 1, 2026) at Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive. Photo by Hyunjung Rhee. Courtesy the artist and Tina Kim Gallery.

 

Her fifty-plus years of practice finally reached a wider public through a major retrospective at the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA) in Gwacheon in 2023. More recently, Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive (BAMPFA) in Berkeley presented the first solo exhibition of her work in a museum in the United States, spanning six months. At the same time, the museum acquired one of her signature monumental works, Spirit of Mountain (1999), into its permanent collection.

 

The artist finds the strength of tapestry in its harmony — the way it fits naturally into any space — and in the freedom of how it can be displayed: hung on a wall, suspended in the air. Her work has always been calibrated to human life, to living in harmony. From the beginning, she wasn't thinking about grand ambitions — she was thinking about art that could live close to everyday life. That is why Lee ShinJa's world of work feels like a true hero of our lives.

 

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(2) 태양의 기개를 노래하다, 이신자

 

이신자 작가는 파이버 아트에 대한 관심이 날로 높아지는 이 시점, 다크호스처럼 나타났다고 해도 과언이 아니다. 1930년에 태어난 그녀의 나이, 올해로 95세. 가장 놀라운 점은 이제야 빛을 보게 된 그녀의 작업 인생이 1950년대부터 이어져 왔다는 것이다. 

 

작가는 한국 1세대 섬유예술가다. 1955년 서울대학교 장식 미술과를 졸업하고 이후 홍익대학교에서 패브릭 디자인을 전공한 이후 그녀는 한 번도 파이버 아트에 대한 비전을 놓지 않았다. 1950년대부터 밀포대나 방충망, 중고 의류에서 얻은 재료들로 작품을 만들기 시작했으며, 1970년대 초반부터 태피스트리 기법을 독자적으로 개척해서 그 예술적 가능성을 세상에 알렸다. 1972년 대한민국미술전람회를 통해 “Wall Hanging (1971)”을 소개한 이래, 교육자로서도 오랜 시간 한국의 섬유예술의 발전에 기여해왔다.

 

작품의 주요한 영감은 자연과 자신이 자라온 고향 울진에서의 기억에서 왔다. 어릴 적 아버지와 손잡고 마주하던 울진 바다의 일출은 선명하게 각인된 기억 중 하나다. 작가의 특별한 점은 전통적인 태피스트리의 한계적 프레임 위를 마치 캔버스 위에 그림 그리듯 자유롭고도 대담하게 활용한다는 점. 한국의 산을 비롯 자연의 율동감이 현대적 조형미와 강렬한 색채로 표현되고 있다. 누군가의 표현처럼 ‘실로 그리는 그림’이다. 시대를 초월할 만큼 그녀의 작품이 여전히 신선한 이유는 그 안에 담긴 기개 때문이리라.

 

작가의 작품은 같은 세대이자 같은 파이버 아트의 선구자인 작가 셰일라 힉스(Sheila Hicks)와 비교되는 면이 있다. 하지만 이신자 작가가 자연의 웅장함과 변화에 대한 자신의 소회를 모티프로 텍스타일에서 섬세한 회화적 감수성을 이끌어냈다면, 셰일라 힉스는 작가 자신의 실험 정신을 주체로 삼아 텍스타일의 조각적 가능성을 실험해왔다. 

 

또 한 가지 다른 점은 그녀가 베틀의 제약을 가능성으로 끌어안았다는 점이다. 전통 직조 방식의 날실(세로줄)이 주어진 조건이라면, 그녀가 이어가는 씨실(가로줄)은 자신의 이야기다. 손판화 느낌의 소형 사이즈 작품에서부터 무려 3년이 넘게 걸려 완성해낸 폭 19미터의 ‘한강’ 작품까지. 직조의 특성상 처음부터 정교한 계획을 바탕으로 해야하는 작업이기에, 그 위에 펼쳐진 작가의 대담한 비전과 실험성이 더 놀라울 따름이다. 그리고 그 비전은 섬유 특유의 따스함과 섬세함을 만나 보는 이에게 따뜻함을 전할 뿐더러, 그 기개까지 공유한다.   

 

“섬유미술은 회화와는 달리 재료에서 오는 독특함이 있잖아요. 따뜻하잖아요. 왜 섬유 작품을 하냐고 물어보는데, 난 참 포근하고 좋거든.” – 이신자 작가

 

작가의 50여년 작품 세계는 2023년 과천 국립현대미술관에서 대규모 회고전을 통해 비로소 더 많은 대중과 소통할 수 있게 되었다. 또 최근 미국 뮤지엄 최초로 Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive (BAMPFA)에서도 작가의 상징적인 대형 작품 “Spirit of Mountain (1999)”을 영구 소장하는 동시, 장장 6개월에 걸친 대규모 회고전을 열었다.

 

작가는 태피스트리 작품의 장점을 어떤 장소에 두어도 잘 어울리는 조화로움, 벽에 걸거나 공중에 매다는 등 표현 방식의 자유로움에서 찾는다. 그녀의 작품은 처음부터 인간의 삶, 그 조화에 눈높이를 맞추고 있었다. 처음부터 어떤 원대한 꿈이 아니라, 일상의 가까이에 있는 아트를 생각했다. 이신자의 작품 세계가 우리 삶의 진정한 영웅으로 느껴지는 이유다.

 

Created by JODE TEAM · In Cooperation with FOG Design+Art · Front Image: Installation view of Lee ShinJa: Drawing with Thread (August 6, 2025 - February 1, 2026) at Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive. Photo by Hyunjung Rhee. Courtesy the artist and Tina Kim Gallery.